哈尔滨古玩钱币鉴定_百年无极:以东方视角赏读西方经典的艺术之旅

发布时间:2022-11-10   来源:未知    
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“无极”,来自东方的古老智慧,是无边无际、无差无别,是世界诞生前的原始状态;也是修行者在开始修行之前应进入的状态,在此之后,方是摆正身体、平衡双足,让思绪与呼吸平静、放松。这种状态也许是从东方视角体察欧洲现代艺术事件的一个极佳的心灵状态。

19世纪到20世纪的意大利,经历了阵痛,充满了变革,也怀抱着希望。100多年之间,意大利的艺术风格充满变幻,在形式与观念、具象与抽象、色彩与线条、传统与创新之间上下求索,通过不断地自我否定、颠覆、毁灭、创造,与欧洲同时期的伟大艺术家合力描绘出一个五彩斑斓、百态众生的时代。

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“无极”,也是对欧洲艺术史这风起云涌年代的一曲赞歌。正在中华世纪坛举办的“百年无极——西方现当代艺术大师作品展”的叙事结构和展品的选择,虽然无意进行东西方美学的对比,但是这一时期欧洲艺术在阐释和表达上呈现出的诸多特点,还是给来自遥远东方的我们留下了许多想象的空间。

不可能的人体

从海耶兹到莫迪利亚尼

“人体”题材无疑构成了第一个值得思考的主题。在中国艺术中,人体是与景观融为一体的。正如弗朗索瓦·于连所言:没有一个“人物形象是与其余事物”,与大自然“截然区分开来的”,“人体的绘画散失在多种声音之下,没有性别法则”。

进入展览的第一部分,海耶兹的《浴女》提出了人体题材,标示了与东方感性的距离。画中的裸女在一片自然景象中孤独躺卧,弥漫着一片沉思冥想的哀伤,这是典型的浪漫主义气氛。古典主义的风格与形式,通过巧妙的优雅与现实主义手法,表现为对美丽的凝视,裸女形象所特有的情欲与性感由此跃然纸上。

意大利古典主义的所有绘画技巧再现于海耶兹的笔端,塑造了主体鲜明的心理特点。以西方思想中流行的形式与理念作为原型构筑形象的层次结构,自然景观的描绘也具有象征意义。

在多梅尼科·莫雷利的《人物形象研究》中,审视事物的视角非常现代,人物与背景之间的关系消失不见了。巧妙的色彩控制,彰显了人物的性感。光影的衔接成了作品真正的主角,白色床单的反光出其不意,逆光的面孔任由表情隐藏于抽象的空间中。而在乔瓦尼·博尔迪尼的《罗斯福·吕赛侯爵夫人》中,空间发生变形,能够充分感受到人物的能量。博尔迪尼的绘画并不专注于瞬间,而是作品空间中充满现代性特点的动态的爆发,这种爆发扭曲了头发、衣衫、手臂的姿势乃至室内空间的形状。他用一种阴阳平衡的张力,以片段描绘了全局。

莫迪利亚尼画了众多肖像画,其中《汉卡·扎布罗夫斯卡》对人体形象进行了前所未有的处理。莫迪利亚尼喜欢运用拉长的线条和变形,以及杏仁状不对称的眼睛,呈现出几乎是自省的精神状态。他把目光投向14世纪的锡耶纳绘画,专注于人物形象身上,追求属于他个人的人文主义。莫迪利亚尼的女性人体形象,并不在意对自然状态和生命活力的刻画,而是有一种抽离于环境的理想化处理。

空间与时间

从贾科莫·巴拉到德·基里科

在中国哲学思想中,时间和空间是不可分割的,是阴阳两极,中国传统山水画遵从这一思想,讲求时空合一、四时合一。而西方现代艺术变革中,艺术家对时空主题的诠释也不断尝试新的突破。在现代艺术之前,艺术家将注意力投射在如何在二维平面塑造三维空间形体,表现凝固的时间或瞬间场景。而到了20世纪,工业和科技的高速发展颠覆了人类对时空的认识;各种社会思潮也冲击了艺术家对时间与空间关系的表现形式。

未来主义大师贾科莫·巴拉将时间和运动引入绘画,表现了时间的现在和将来。《速度线条》揭示了一种空间与运动之间的身份,完全忽略视觉图像,专注于运动的心理维度。笔触与结构层次彻底改头换面,运动消融于无穷无尽的极限之中,展现出完美的张力。

梦境中,现实里的不可能变成可能,梦境中的时空也可能变成超现实的时空。德·基里科用逻辑现实破裂的图像,为我们构造了一个新的形而上的心理空间。而德·基里科的《令人不安的缪斯》中所呈现的时空之谜则有所不同。在一个巨大的剧场舞台上,不可知的当下如一道桥梁,连接着记忆这座未知的建筑。未来主义的运动题材在超现实主义的梦境中完全被消除。线性时间不复存在,在笼罩万物的凝固天空下一切静止,低垂于地平线的太阳拉开长长的影子。近景中的缪斯是一些没有生命的人体躯壳,由意义不明的片段组成,而人类不在场。作品描绘的确实是现实中的事物,但艺术家却放弃与之发生联系。这是一种“无为而为”,在20世纪欧洲艺术发展史上曾经扮演着极为重要的角色。

“显”与“隐”

康定斯基或马克斯·恩斯特

“显”与“隐”从来密不可分,因为二者共同作用、转化不息。中国画通过虚与实,表现的是“显”与“隐”的联系:时隐时现,为显而隐,意图表现的不是客体,而是事物发展过程连续的内在性。

“显”与“隐”的转化也不断更新着欧洲现代艺术家的表现手法。20世纪,传统物质、结构的观念被打破,艺术家开始放弃对自然的参照,寻求形式语言和抽象意义本身在探索人类情感上的作用。在本次展览中,艺术家为我们提供了多种可能的路径。以康定斯基的作品《成角的线条》为例,“隐”具有一种外在于作品的特性。画面是寥寥几笔的几何图形抽象组合,浅色背景跟随元素形状发生变化。占据主导地位的图形是一个稳定的红色圆圈,加上富有动感的倾斜一笔,吸引目光转移至整个画面。而其他次要的线条缓和了画面的紧张感。画中每一笔都有“虚”的作用,却更切实地表现出它的存在。

康定斯基艺术中的音乐灵感也在线条和色彩中隐而不见,在这里与节奏、音程及稀疏而鲜明的形象产生共鸣,如钟声一样悠长。

而不断进行视觉实验的超现实主义大师马克斯·恩斯特在作品《通史纲要》中,则为我们提供了“显”与“隐”相互转化的另一种可能。这幅画的形象展示方式别出心裁:在红色系的色彩变化中,几乎伴随着每次目光的移动,形象连续不断地让位于非形象,实与虚不断交错。每一眼都能够激发新的想象,下一次观看又会被新的想象取代。

正如朱塞佩·加特所说,恩斯特并非以梦境创造形象,而是相反。形象是在画中通过运用复杂而无逻辑的联系而发展成型的。恩斯特自己也说,在他笔下的创作进程中,他只是一名看客。这是现代艺术中所追求的“无为而为”的进一步形态。

“画”与“化”

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梵高与《园丁》

在中国传统哲学思想中,天下万物各有其形,然皆本于一理。而中国山水画的创作也得其精义,山水画的创作要原其本然、究其初始,这是顺应自然之道,正如石涛提出的“蒙养”——山川万物之本然。山水画创作不是描绘山水的外在表相,而是要纵山水之深层。如石涛所言:“以我襟含气度,不在山川林木之内,其精神驾驭于山川林木之外,随笔一落,随意一发,自成天蒙,处处通情,处处醒透,处处脱尘而生活,自脱天地牢笼之手,归于自然矣。”

值得玩味的是,这种人与自然之间的关系,在本次展览中展出的梵高作品《园丁》中也能够窥见一斑。历代启发着画家们的农民题材,在这里以全新的方式呈现,强调了与大自然的深刻共融,这种和谐也体现于勾勒草地和园丁肖像的线条结构中;而照亮了园丁脸庞的黄绿色调,亦与大自然的背景融为一体。

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梵高的作品,抓住了生命、自然、宇宙之间的密切关系这一深刻真理,并且与绘画紧密联系起来。

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欧洲现代艺术创作的理念与遥远的东方相互应和,时而显现出惊人的契合,时而表现为深刻的差异。现代性理想的转变创造了多元的声音,现代性的发展进程也不完全是线性的,而是彼此交织、充满往复地前行。有的艺术家不断回到起点,每一次都试图创造一种新的语言,就如展览中出现的康定斯基、卢西欧·封塔纳、艾米利奥·维多瓦或布里那样;而其他人,则进入了与古典传统的深刻对话中,如同卡拉、萨维尼奥或古图索。

意大利与欧洲现代艺术的进程,表现为形象的魅力与抽象的深层原因之间连绵不绝的张力,以及不断重置话语风格的艺术家之间的持续碰撞。这是一个无序的时空、一个无极的循环,是无边界、无分化的原初状态,同时也是对意义的不断探索。

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